Quantcast
Channel: Artodyssey
Viewing all 1856 articles
Browse latest View live
↧

José Luis Carranza - José Luis Carranza Gonzalez

February 27, 2014, 4:12 am
$
0
0


















José Luis Carranza - José Luis Carranza Gonzalez




"Mi pintura no se construye como un proyecto, simplemente se origina como por generación espontánea, es como la vieja idea de dejar un trapo húmedo y putrefacto en la oscuridad para que de él nazcan serpientes, sapos, arañas y demás alimañas hiperactivas (…) No escapo de la realidad, al contrario, voy paralelo a ella, mi histeria se genera en ella y ella se genera en mi histeria "


José Luis Carranza



Los cuadros evocan la celeridad de la pincelada del pintor que estuvo allí mismo antes que nosotros, cuando la tela estaba en blanco. Sus colores límpidos, flamantes – que me hacen pensar en fuselajes – siempre parecen frescos y han sido aplicados con fruición para cubrir la superficie virgen y con ello segregarles una piel a esos personajes casi siempre jóvenes con los que pintor se ensaña: Adolescentes subyugados por una anomalía mental desconocida sintomatizada por esas pupilas anegadas de asombro, parapetadas dentro de la cabeza; cada vez más extáticos ante ese que se mueve delante mientras los escruta, más desnudos, en medio de una corrupción psíquica también creciente. A Carranza no le bastó con irlos despojando de la ropa y mutilarlos sino que ahora, además, los ha confinado al “encierro” en medio de una naturaleza deseante y claustrofóbica, colmada de plantas y animales en la que estos muchachos no tienen la menor oportunidad de sobrevivir. Y por lo que la mayoría de cuadros manifiesta, van perdiendo la postura erguida y ahora reptan o hacen el amago de volar. Pero es muy tarde: no se retorna al origen impunemente.

"Siempre trabajo en varias obras de manera simultánea, jamás las avanzo una a una. Es una necesidad imperiosa el estar siempre rodeado de imágenes, de ojos, de mandíbulas; detesto el vacío y de hecho, un taller en blanco solo me causa horror"
...

"La anatomía, por ejemplo, es una constante en mi trabajo y en mi modo de vida. Siempre estuve rodeado de libros de medicina y anatomía, huesos, escalpelos y demás cosas (en parte por mi padre y también por propia afición). Me interesa el valor visual de la disección de un cuerpo; el funcionamiento de todo este aparato posee para mí una hermosura inigualable; los brillos de las vísceras y mucosidades o los tonos rosados de ciertos órganos, la perfecta construcción de un cráneo, la monumentalidad del tracto digestivo que extendido se parece a un calamar gigante, los destellos de una boca abierta, los dientes (en esto coincido de manera descarada con Francis Bacon), las venas y las arterias que magnificadas parecen una perfecta obra abstracta. Todo eso es lo que veo."

 ... 


Carranza es muy elocuente respecto a lo que hace y en ello lo reconocemos generacionalmente: realizó sus estudios durante una etapa en la que se creyó que el artista tenía que saber “sustentar” su propuesta. El tiempo ha pasado y vemos que esa exigencia en verdad servía para orientar el ojo de aquellos galeristas y seudo curadores sin mucho criterio, aquellos que necesitan “leer para creer”. Esto hizo – y hace – que nos topemos con regimientos de supuestos artistas que son capaces de resolver únicamente en palabras lo que deberían resolver mediante la forma. Carranza, en todo caso, que podría permanecer inmutable ante su vociferante y polifónica obra, sabe reseñar su propio mundo. Y está bien. Pero por suerte un artista no sabe todo de sí mismo – nadie lo sabe – y ese espacio abierto nos mantiene en la brega, digamos que habilitados, a quienes escribimos sobre arte.


Manuel Munive Maco
Mayo, 2009

Todo aquí




Facebook Page











↧
Search

José Luis Arbulú

February 27, 2014, 4:37 am
$
0
0


















José Luis Arbulú



Realizó sus estudios en la Especialidad de Dibujo y Pintura de la Escuela Nacional Superior y Autónoma de Bellas Artes del Perú. Posteriormente estudiará un Curso de Pintura Avanzada en Saint Martin´s School of Art y hará estudios de Pintura Tradicional China en la Academia Central de Bellas Artes de Beijing. Finalmente realiza Estudios Complementarios en Arte en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos. Entre sus premios y distinciones se encuentran: Primer Premio de Pintura Festivales de Lima (1982); Primer premio Bata Internacional, Lima (1983); Gran Premio Beijing International Ink and wash Painting Exhibition 88 – Beijing R.P. China (1988); Segundo Premio Concurso Internacional de pintura y Caligrafía China. Copa Peonía Shandong R.P. China (1989); Mención de Honor – Salón Regional de Lima – Primera Bienal Nacional de Lima (1998). Ha realizado diversas exposiciones individuales, entre las que destacan: Juegos de la Memoria, Yvonne Sanguineti Galería (Lima, 2012) Relatos y Fragmentos, Galeria de Arte ARTCO (Lima, 2008); Noche Interior, Galería de Arte del Sol (Miami, 2003); Dentro del Juego, Sala Luis Miroquesada Garland Centro Cultural de la Municipalidad de Miraflores (1999); Séptimo Retorno, Sala Luis Miroquesada Garland. Centro Cultural de la Municipalidad de Miraflores (Lima, 1997); Pinturas, Embajada de la República Argentina. Beijing R.P. China (1990). Además, ha participado en múltiples exposiciones bipersonales y colectivas en Perú, China, Italia, Ecuador, República Dominicana, Francia, Uruguay, Venezuela e Inglaterra. Su imaginario personal está compuesto por rostros y paisajes a los que incorpora líneas, puntos, elementos geométricos y grafías que evocan pasajes de su vida. Su obra sintetiza formal y técnicamente la influencia de diversas tradiciones culturales entre las que destacan la peruana, la occidental y la oriental. Elementos conocidos en su obra como el paisaje (en especial el de China, país donde tuvo una experiencia de aprendizaje enriquecedora) y la geometría primordial del círculo y el cubo se reencuentran con presencias humanas. La evocación de la figura humana -diseñada incluso con ciertas referencias a su aspecto cósmico- y por ende la de los objetos producidos por ella e impregnados de sensaciones y recuerdos que los sitúan en una esfera distinta a la meramente funcional; la geometría que circunscribe espacios, tiempos y actos pero a la vez redime con su promesa cíclica; la transitoriedad, la introspección, el acto meditativo, son tan sólo algunos de los múltiples enfoques que pueden aplicarse a su nutrido y sólido grupo de relatos pictóricos.



More


Facebook Page









↧
↧

Yaldo Leiva Ávalos

February 27, 2014, 5:04 am
$
0
0















Yaldo Leiva Avalos


"Yaldo ha regresado a sus orígenes, a su vientre geográfico, a sus visiones telúricas, a la Pachamama, al Apu, a la raíz ancestral de los colores del Perú.

Este artista, nacido en Quiruvilca y criado en Julcán, lugares de la sierra de La Libertad, ha producido una obra sincera, y para realizar estas pinturas ha recurrido a sus vivencias en su tierra, a su infancia, a su contacto con la cosmogonía andina. No hay disfuerzo alguno ni ornamentaciones para la mirada vacía, ya que hay un trasfondo de profundas manifestaciones culturales que ha sobrevivido a lo largo del tiempo gracias a memorias ancestrales traídas por la mano del arte.

Atrás quedaron sus experimentaciones con la forma y el color en sus iniciales surrealismos y una breve mirada al abstraccionismo; ahora, Yaldo deja de lado su onírica mirada para sumergirse en lo más profundo de nuestros orígenes históricos, e incluso llega más allá de lo que antaño se propuso como meta el indigenismo, pues Yaldo se adentra en la cultura que nos hizo surgir como nación, como poderoso imperio para ser más precisos.

El cóndor se cubre con el manto geométrico y los colores del arco iris, los incas brindan con el inti bebidas alucinógenas en base a brebajes preparados desde tiempos inmemoriales.
La selva aún virgen guarda animales salvajes, cazadores indígenas con tocados de plumas conviven con pumas, tucanes, camaleones multicolores. El sol agradecido por los ritos en su nombre mantiene una gran comunión con los andes. Hay armonía entre los habitantes de los mares y el cielo. Porque el hombre proviene de la tierra y va hacia ella en su viaje final, el espacio celeste atestigua en sus alas el paso del hombre en el mundo, en la vida, en la huella dejada en la tierra a la vista del sol.

Yaldo no olvida plasmar -a su modo- a los seres de nuestra historia junto a la fauna peruana, entonces se asoman serpientes, aves, pumas y perros calatos, que representan a nuestra riqueza animal.
El chasqui rompe el viento acompañado por aves. Y el cielo es libre para quebrar barreras, y así llegar hacia el destino llevando las buenas nuevas o el anuncio de lo incierto.

Yaldo también interpreta las ceremonias celebradas por los incas junto a sus súbditos, nos recuerda que la alegría no estaba ausente en las fiestas del inca, pues en la sierra aún se sigue preservando el espíritu ancestral a pesar de los años, de los siglos pasados hoy vueltos a la memoria de la sincera mano y el ojo testigo de Yaldo.

Casa Grande, marzo 16 de 2010
Walter Toscano"

Facebook Page












↧

Luis Alberto (Lopez Cruz)

February 27, 2014, 5:47 am
$
0
0



















Luis Alberto (Lopez Cruz)
Luis Alberto López Cruz

Luis López Cruz nace en Perú el año 1970. Estudia Artes Plásticas en la Escuela Superior De Bellas Artes en Trujillo Perú, de donde egresa el año 1994. Reside en Chile desde 1996.


Ha obtenido numerosos premios, tales como, Primer Premio Concurso Nacional de pintura “Homenaje a La Marina” en 1992, Primer Lugar en varios concursos de Pintura, al igual que de dibujo en toda instancia de estudios académicos de Arte.
Seleccionado en el IV Concurso Nacional De Pintura “Contra Viento y Marea” Talcahuano, 2003.
Finalista en las dos versiones de XXII Concurso Nacional De Pintura Valdivia y su Río en 2003.
Seleccionado en el Concurso Nacional De Pastel Sociedad De Bellas Artes en el año 2003.
Seleccionado para realizar un mural en la ciudad de Coquimbo en el Norte de Chile, inaugurado el 15 de Diciembre de 2004.

Perú, poseedor de uno de los legados artísticos mas abundantes del pasado aborigen, donde el recuerdo del ayer remoto se convierte en miembro fecundo de un hoy original y autónomo. Este es el caso de López Cruz quien sin querer es poseedor de este bagaje cultural.
En el centro figuras sin vínculos con el ámbito cotidiano se aglomeran llenas de sugerencias fantásticas, así poco a poco el observador va penetrando en el interior de la composición, su vista termina por perderse dentro de la hondura mórbida de los planos posteriores, fondos enigmáticos que permiten asociaciones figurativas.

Su obra es una fascinante galería de personajes que se entrelazan desafiando la lógica y la ley de gravedad. Ha medida que estos personajes danzan en su mundo imposible, emerge un cuento de hadas que supera lo imaginable, proporcionando pocas claves con respecto a la vida real.

Su expresión neo-figurativa se asienta en la calidad del dibujo, el conocimiento y dominio de una técnica en la cual los recursos parecen inagotables.


quote


















↧

Andrés Miró Quesada

February 27, 2014, 6:43 am
$
0
0














Andrés Miró Quesada



Andrés Miró Quesada es un joven pintor peruano que hace de las suyas para obtener resultados impresionantes. Si bien los procesos creativos de todo artista son distintos y generan interés de diferentes maneras, existe cierto juego y malcriadez en el arte de Andrés que nos obliga a sentirnos cautivados. En un país donde los cocineros están a la orden del día, una nueva generación de artistas jóvenes está demostrando que su rubro también tiene mucho por ofrecer y una forma particular para hacerlo. Andrés no es la excepción.

Estuve un buen rato pensado en frases que describan la obra de Andrés Miró Quesada, pero no quedé contento con ninguna. Todas sonaban medio huachafas. Obviamente, no porque sus obras lo sean, sino porque todas muestran algo tan juguetón y a la vez indebido que no se hace fácil aterrizarlo en un concepto. La mayoría de sus cuadros tienen elementos tan inocentes como culpables, y es ahí donde radica su factor característico. Terminó la carrera de Artes Plásticas en la escuela Corriente Alterna en el año 2009 y no salió sin algunos merecidos honores, como la medalla de plata. Ha participado en diversos colectivos y muestras, como “Almodóvar” en el C.C. de España, “Set/Action” en la galería Vértice y “Play” en la Sala Luis Miró Quesada Garland, entre otras. A fines de octubre se presentará en la colectiva “Homo Ludens / Urbe Ludens” en el Centro Cultural El Olivar dirigido por Vértice.

¿Qué has preparado para esta siguiente muestra?

Esta próxima exposición es un colectivo curado por Lucho Lama que tiene como tema central a la criollada. Así que creo que se trata básicamente de plantear mi visión de esta realidad. Lo que he buscado hacer es incluir elementos que sean identificables por el público, que se sientan como parte de una realidad peruana “criollona”, pero que a la vez mantengan la esencia de lo que yo hago. Suelo recurrir al tema del erotismo y la sensualidad, aunque trato cada vez de darle un movimiento diferente, lograr que el contexto genere totalmente otra historia pero al final te sientas involucrado igual. Mi pregunta siempre fue, ¿cómo mezclo la idea de la criollada con este mundo de erotismo en juego que me gusta proyectar? Al final, la idea era que el cuadro te muestre cómo este personaje puede vivir la vida como cualquier otro peruano y que, con los elementos que se plantean, uno pueda inferir cómo se recursea y en dónde radica su criollada.

¿Sientes que es necesario cambiar el lenguaje que utilizas en tu obra?

Cuando hablé con Lucho (Lama) sobre mi trabajo, le comenté en un momento que no sabía si sentirme cansado de comunicarme siempre en el mismo lenguaje, y su respuesta me ayudó mucho a entender algo que yo en el fondo sabía: los elementos del erotismo están en todos lados, es simplemente el modo como lo comunicas que hace variar el estilo del mensaje. En lo que hagas va a estar tu esencia y se va a poder descubrir. O sea, no hay que encasillarse nunca en algo que pueda ser predecible, pero sí es importante que tu obra logre mantener esa sensación similar cuando la perciben. Y me gusta tener eso como artista. Lograr que el espectador se sienta muy comprometido con la escena, que pueda hasta darle vergüenza ser partícipe de algo en donde no ha sido necesariamente invitado. Que piense “estoy entendiendo más de lo que me gustaría entender”.

****

Andrés espera aterrizar esta etapa artística con esta muestra para luego poder concentrarse en presentar su primera individual y entregar una propuesta totalmente suya que permita al público entender toda la historia que quiere contarle. “Por un lado quiero terminar esta etapa en la que estoy”, añade. “Por lo menos variar la vía de mi mensaje”.

¿Cómo te gustaría que sea tu individual?

Me gusta mostrar elementos de la figura masculina. Siento que no está muy “normalizada” dentro del común denominador cultural. Todavía hay muchos tabúes, mucho shock con la presencia del hombre en el erotismo y creo que siempre he intentado romper con esa premisa. Uno puede ver la imagen de una mujer casi calata en paneles yendo al sur y, lo halles sexy o no, lo sientes normal. Ya es parte de una realidad cultural que tiene años. Sin embargo, el hombre todavía se siente muy brusco, muy chocante. Pero a fin de cuentas, es lo mismo. Es un cuerpo, es algo que se debería –y podría– mostrar sin ningún pudor. Eso es lo que me gustaría alcanzar con mi individual. Poder mostrar personajes peruanos, muy de acá, pero a la vez contar con un entendimiento universal, que se capte mediante un lenguaje del cuerpo. Algo masculino, sensual y erótico, pero que a la vez pueda sentirse medio naif, no necesariamente tosco. Es algo que todos tenemos; en el ámbito sexual todos somos naif hasta cierto punto. No siempre el hombre está en control de las cosas, a veces las cosas lo controlan a él. Y es interesante mostrar esta visión de la realidad. Quiero hacer de lo cotidiano algo erótico, atractivo y, dentro de todo, comprometedor.

¿Cuáles son tus inspiraciones artísticas?

Jeff Burton, Brian Finke y Mona Kuhn. Chuck Close me encanta, me parece que es un genio del hiperrealismo y siento que sus retratos me han inspirado muchísimo. Siempre he tenido un enfoque similar, mis cuadros son definitivamente cercanos al hiperrealismo, pero con el tiempo me he dado cuenta de que busco que su planteamiento gráfico sea real y a la vez se sienta plástico. Finalmente para eso es la pintura. Te permite ver estas gamas que la realidad o la foto no necesariamente revelan, te “artificializa” la imagen en cierto modo. Creo que, en particular, busco mucho eso ya que mi proceso creativo habitual es siempre fotográfico. Y la idea es, precisamente, no solo crecer la escala de la fotografía, sino despegarte de esta mediante la plasticidad personalizada que la pintura le da al cuadro.

¿Cómo ves el mundo artístico peruano?

Artistas hay, definitivamente. Es verdad que no hay muchas oportunidades para tener una muestra y eso es importante para un artista. No solo por el objetivo de vender –finalmente es natural apuntar hacia eso–, sino por tener una experiencia con el público y tu arte. Cualquiera que tiene una buena propuesta debería tener las facilidades para que sea bien difundida y por ende bien acogida. Mucha gente en el Perú aún no sabe a que a una muestra o galería puedes ir gratis. Creen que tienen que ser invitados a una inauguración o pagar una entrada, y no es así. Además, uno la pasa bien. Debería ser un plan regular, como ir al cine. Te guste o no una exposición, sacas algo de ahí, aprendes siempre algo nuevo. Está bueno saber que existe.

Para Andrés, el arte debería consumirse de otra manera. “Hay gente que, porque cambia el tapiz del sofá, decide cambiar un cuadro. No le dan una oportunidad al arte y eso es algo que tenemos que ir aprendiendo”. Me dice que algo que reconoce actualmente es que existen más espacios en donde se pueden presentar artistas sin pasar necesariamente bajo el escrutinio de una galería, además de hacerlo mediante una forma más atractiva y global. “Ahora vemos grandes instalaciones donde se incluye música, videoarte, arte plástico, expresión corporal, etc. Todo eso genera un cambio y la gente lo siente”, concluye.


more


Education

Escuela de Arte de Corriente Alterna
Alexander Von Humboldt
Miraflores
Escuela de Arte de Corriente Alterna
Colegio Peruano Alemán



Facebook Page




Self Portrait
↧
↧

Martha Vargas

February 27, 2014, 7:29 am
$
0
0













Martha Vargas



"Martha Vargas es peruana de nacimiento, egresada de la Escuela Superior de Bellas Artes en 1991. Realizó sus estudios de pintura en los talleres de los profesores Raúl Alvares y Miguel Nieri.
Ha recibido el Primer Premio “La Barca de Plata” VI Salón de Verano, Casino Náutico de Ancón. Tiene en su trayectoria muestras individuales y ha participado en colectivas.
La obra de Martha Vargas contiene personajes de porte grueso y de proporciones y formas asimétricas, que encierran un simbolismo exquisito en su presentación. Sus cuadros recrean situaciones vivenciales en un entorno salpicado por una explosión de colores fuertes que representan una realidad ilusoria."





↧

Patricia Gygax

February 27, 2014, 10:48 am
$
0
0











Patricia Gygax


"Patricia Gygax, 1978. Estudió en la Escuela Superior de Artes Visuales Corriente Alterna, de la cual egresó en 2008 con Medalla de Oro a la Excelencia. Obtuvo una mención honrosa en el XVI Concurso Nacional de Artistas Jóvenes en el año 2006. Ha participado en numerosas exposiciones, entre ellas: 2010, “Set/Action (Seduction)”, Galería Vértice, San Isidro. 2009, “La otra mitad de nosotros”, Exposición por el Día Internacional de la Mujer, Centro Cultural Inca Garcilaso de la Cancillería, Lima. “Cuerpo Presente”, Galería Artco, San Isidro. 2008, “El fantasma de la libertad”, Centro Cultural de España, Lima. “Subasta Silenciosa de Solidaridad” – Organizada por el Comité de Damas del Congreso de la República del Perú, ICPNA, La Molina."





↧

Akira Chinen

February 27, 2014, 1:31 pm
$
0
0










Akira Chinen



ESTUDIOS REALIZADOS



Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú

Especialidad de Dibujo y Pintura.

Egresado.

2006

Universidad Nacional Mayor de San Marcos

Bachillerato Complementario en Arte.

Bachiller.

2007

Facultad de Teología Pontificia y Civil de Lima

Programa de Licenciatura en Educación.

En curso.





PREMIOS Y DISTINCIONES



Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú

Primer puesto.

Concurso de Admisión.

2000

Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú

Medalla de oro y primer premio.

Especialidad de dibujo.

2004

III Concurso de Arte Joven en Miraflores – Municipalidad de Miraflores

Obra finalista.

2005.

II Concurso Nacional de Pintura – Banco Central de Reserva del Perú

Obra finalista.

2010


Facebook Page





↧
Search

Eduardo Deza

February 27, 2014, 2:14 pm
$
0
0









Eduardo Deza
1983
Lima, Perú



Como muchos de los que nos dedicamos a los asuntos de la creación visual, empecé desde muy niño a mostrar interés por las imágenes y los diversos significados de éstas. La creación de imágenes ha sido la actividad más permanente a lo largo de mi vida, siendo las excusas para realizarla muy diversas según la variación y evolución de mis intereses.


Decidí ser pintor durante mi último año de secundaria y ese mismo año —y el posterior a éste— tomé mis primeras clases formales de dibujo de figura humana y retrato en el Museo de Arte de Lima, una experiencia realmente significativa. Estudié luego por cinco años en la facultad de arte de Pasadena City College en California, de donde me gradué en el 2006. Aprendí a pintar en base a mis propias investigaciones sobre los métodos y materiales de los grandes maestros, bajo la supervisión de mis profesores de pintura, quienes aceptaron mi particular interés y accedieron a evaluarme según el mismo, siendo la enseñanza regular un tanto diferente. Así, entre varios libros, artículos en línea y sobretodo visitas a los museos de arte locales, experimenté con las diversas técnicas y materiales de diferentes pintores clásicos, aplicándolas según veía conveniente a mis pinturas. Mi intención fue siempre desarrollar las habilidades y herramientas que me permitieran tener la libertad de pintar cualquier cosa que se me ocurriera de una manera interesante y atractiva para mí mismo, apuntando a conseguir el grado deseado de expresión.


La figura humana ha estado siempre presente durante toda mi producción pictórica. Fue justamente mi interés en representar la piel de una manera no sólo convincente sino también interesante, lo que me llevó por el camino de la pintura tradicional, y hasta el día de hoy sigo tratando de hacerlo cada vez mejor. Considero mi interés por la figura humana un asunto simple de definir, teniendo en cuenta la auto-identificación que implica representar la imagen de un ser de mi misma especie y las diversas situaciones emocionales en las éste que puede verse envuelto. A esto le sumo mis intereses estéticos y mi predilección por las formas del cuerpo humano como una base con enorme potencial expresivo.


De esta manera sigo desarrollando mi pintura, quizás con temas y conceptos que han ido cambiando y evolucionando a través del tiempo, pero siempre con el mismo ímpetu, el compromiso y la sinceridad del principio.



Educación/Education

Estudio independiente en pintura/independent study in painting. 2006 - 2010


Pasadena City College. Pasadena, California. Associate Degree in Arts. 2002 - 2006


Museo de Arte de Lima. Lima, Perú. Clases de retrato y dibujo de figura humana. 2000 - 2001



Premios y distinciones/Awards and honors

Summa Cum Laude and Administration honors. Pasadena City College. Pasadena, California. 2006


Beca William C. Miller. Pasadena City College Visual Arts and Media Studies Division. Pasadena, Ca. 2006


Beca Comerica Bank. Pasadena City College Visual Arts and Media Studies Division. Pasadena, Ca. 2005


Beca William C. Miller. Pasadena City College Visual Arts and Media Studies Division. Pasadena, Ca. 2005


Beca Ruth Esthes Bissiri Memorial. Pasadena City College Visual Arts and Media Studies Division. Pasadena, Ca. 2004












↧
↧

Simon Birch - New Works

February 28, 2014, 2:42 am
$
0
0










Simon Birch


Simon Birch is a UK-born artist who is a permanent resident of Hong Kong. He has had solo shows in Beijing, Hong Kong, Los Angeles, Miami, and Singapore, as well as exhibiting in group shows at the Hong Kong Museum of Art (2008), the Haunch of Venison, London, and the Museum of Contemporary Art, Tokyo, in 2011. Working with oil on canvas, Birch has also ventured into film and installation work culminating in some particularly notable large-scale projects, including the 20,000 square feet multimedia installations HOPE & GLORY: A Conceptual Circus (2010) and Daydreaming With…The Hong Kong Edition (2012) at the ArtisTree, TaiKoo Place, Hong Kong. These large multimedia projects integrated paintings with film, installation, sculpture, and performance housed in specifically configured spaces. Birch’s work has been featured and reviewed reviewed in many international publications, including Artforum, The Guardian, The International Herald Tribune, and The New York Times.




SIMON BIRCH

Born 1974, Brighton, UK
Master of Fine Art, Royal Melbourne Institute of Technology, 2008
Currently lives and works Hong Kong



RESIDENCIES & AWARDS

2012
TWS Aoyama: Creator-in-Residence Research Residency Program 2012

2007
Winner of the Louis Vuitton Asian Art Prize

2004
Winner of the Sovereign Prize Manfred Schoeni Award






also here on Artodyssey






↧

Rosalind Shaffer

February 28, 2014, 4:08 am
$
0
0


















Rosalind Shaffer



ABOUT THE ARTIST

Seeking balance and harmony in an ever more chaotic world has lead me to create sculpture and vessels with a meditative spirit and a personal reflection on the human condition. Some of the pieces, particularly in the figurative and animal stoppered vessels collection, offer a humorous social commentary. Nature is a primary inspiration for my work, and I often incorporate feathers, weathered wood, leather thonging and other textures and elements found in the natural world.

When I discovered the Ancient Japanese technique of Raku, I was drawn to the beauty and the complexity created by this exciting firing process. Intricate crackled patterning occurs from extreme temperature changes; with exuberant colors and textures created from the black carbon and the minerals in the glazes that burst through to the surface during the firing process. No two pieces are ever alike, though all embrace a timeless essence- both ancient and contemporary at the same time.

I have followed artistic pursuits for as long as I can remember, and I have always found the interaction of negative space and sculptural form especially intriguing. Though I first started out as a a painter, I soon desired to pull the images beyond the flat plane of the canvas. I began to work in wood, creating figurative painted wood constructions that were meant to work in the environmental spaces in which they were displayed. I eventually found the flat planes of cut-out shapes somewhat limiting; lacking the dimensionality that I sought, and I discovered that clay was the perfect organic medium, allowing for the fluidity I was seeking to create more sinuous form.

Born and raised in New York, I graduated with a Bachelor of Fine Arts degree in painting from Syracuse University and was in the MFA Program for painting at Brooklyn College. Shortly after, the door to the fine artworld opened for me when I became affiliated with Soho 20 Gallery in New York City and the J. Rosenthal Gallery in Chicago. At the same time I cultivated a commercial career in fabric design, and though this paid the bills, the fine art was always my truer passion. The textile design did have an important influence on my work, however, in my focus on the textures and patterns that I carve or impress in many of my sculptures and vessels. Currently, I am represented by the Paul Scott Gallery in Scottsdale Arizona, and will be showing my work there in a show this month, beginning March7, 2013.



Facebook Page











↧

Michele Bajona

February 28, 2014, 4:39 am
$
0
0





















Michele Bajona






biography
"I like to play with water and to measure myself with the magic of nature, the figurative approach of my art has within it a level of abstraction that allows me to transmit emotions at a deeper level. My aim is to be able to explore more and more on different textures and with different techniques in order to capture the essence of light and movement. Art has the power to show different worlds generated from a blank canvas, I want to share this process through my work"

Michele Bajona lives in Barcelona where he paints and practices architecture.
In 1988 he becomes a member of the artistic circle La Soffitta where he discovers the magic of watercolors thanks to maestro Otello de Maria.
In 2001 he starts his nude studies with watercolorist Frederic Wong at the Art Student League of New York. He's an active member of Cercle Artistic S. Lluc in Barcelona. The artist has shown his work in collective and solo exhibitions in Europe and the US.
In 2011 he won the first prize for best video documentary at the 54th Venice Art Biennial, Padiglione Italia.
















↧

Mário Tropa

February 28, 2014, 5:09 am
$
0
0








Mário Tropa


Nasceu em Lisboa em 1941. Licenciado em Artes Plásticas - Pintura, pela Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa. Bolseiro da Fundação Calouste Gulbenkian nos anos 1965 a 1967. Professor de Desenho em Santarém de 1967 a 1990. Professor de Pintura e de Gravura, do Curso de Artes Plásticas da Escola Superior de Arte e Design das Caldas da Rainha, do Instituto Politécnico de Leiria de 1990 a 2003. Realizou e participou em exposições individuais e colectivas desde 1966. Está representado em colecções públicas e privadas no país e no estrangeiro. Vive e trabalha em Santarém e Castelo ( Mação ).










↧
↧

Oscar Solis

February 28, 2014, 10:28 am
$
0
0
















Oscar Solis


About Artist:
A Long time ago, somebody asked me why I was so dedicated to painting. This is a question that has been remained in my mind for a long time. Why do I dedicate myself to world of art? Before I come forward with a simple answer, I would like to share my roots and the upbringing moments that captured my life into the world of colors and a brush. In School when there was a competition of drawings, I was the only one to take the first prize. Then, the emptiness I felt could only get fulfilled every time I found myself doing a painting. I suppose or rather, I should say that I realized all of this when I was eight years old. I remember it was during that period of my life when I started resonating what I was to be when I grew up; I used to say, I will be a painter, an artist. Within myself, there was no other existence in life but the one of becoming a painter, it was clear to me all of the time, I do not know if this decision was because there was no other resolution for me, or it was because destiny had planted in me the seed of art at an early age. Finally I started to study by myself and at the age of 18 years old I got a Job as a Painter Art Professor in the “Casa de la Cultura” of Morelia Michoacan. Today, I do know that the responsibility of a painter is the search of beauty. It is the doubt and persistence to name the ineffable; the unknown expression within us that must float to the surface and become attached to the canvas. This is the endeavor I have as a painter; to say things without speaking, but just using my art to speak. It fulfills me and brings me peace and this is the reason why I am a painter and dedicate my life to colors and expressions. My hands are glued to the paintbrush. Nowadays, for me, to make a painting, to be working on a canvass letting my imagination flow with the rhythm of colors confirms that I had made the right decision of my life to become the painter.. For me, now, the representation of being a painter, the meaning of making a painting is a lifestyle choice; it is also a trade and a language where everything is inhabited by silence. In The expression of realism, there exists something that goes beyond the evidence of an open dialog, something as if there is communication to an open story that invites one to hold our eyes toward it as a response to that silent communication the painter leaves in the canvas as an open invitation. This is precisely what my endeavor is as an artist: To invite everyone to hold a silent conversation through my paintings. I like to make the observer dream or fall into deep thoughts full of colors. My response to those who have asked me why I have dedicated myself to being a painter is: In the daily routine of my life, that is the small contribution I can make to the world. My name is Oscar Solis Marin and I am a painter by trade."


quote















↧

Juana Cortez

February 28, 2014, 10:42 am
$
0
0
























Juana Cortez





“The work of artist Juana Cortez represents the reality of the world she knew through her grandmother – a proud member of an indigenous group rich in culture and rituals. Originally from Apatzingan, Michoacan, Cortez began her journey in paint under the teachings of artist Oscar Solis, who as her mentor was the person instrumental in helping her to achieve images filled with intense color. The artistic aim of Cortez’s paintings is to convey the essence of her roots to leave that information for posterity of future generations.”
“The great diversity of themes within the Oscar Solis’ paintings reflects his self taught skills, as well as a need to communicate his emotions in a simple and fascinating way. A native of Apatzingan, Michoacan, Solis began to draw as a child, inspired by the comics that came into his hands. Even at that young age, he was clear that he wanted to devote his life to painting. Today this is his primary way of expression and he continues the creative process believing that more and more people will become familiar with and admire his beautiful art.”
Oscar SolisOscar & Juana, both great artists, like to paint different cultures, but Juana says there is still some competition between them. While Juana depicts the various Mexican cultures in their traditional dress, detailing out the lace and fabrics. Oscar paints everything from horses, birds, still life, nudes, Africans, anything so as not to get bored or trapped with anyone subject. They are such a delightful couple. Anyone who meets them are impressed with their gentle, soft-spoken manners and their incredible talent. Their paintings say it all, so we will say no more – it is better said with photos, truly worth a thousand words.

quote












↧
Search

Oscar Solis (Quesada)

February 28, 2014, 10:57 am
$
0
0
















Oscar Solis (Quesada) - Oscar Luis Solis Quesada

Artista Mexicano nacido en Managua, Nicaragua en 1954.
Hablar de la Obra de Oscar Solís, es hablar de color, de trazo firme y texturas fluídas, de rostros que van apareciendo a través de la fuerza contenida en cada pincelada, del significado de sus sueños y de la mejor manera de contarlos, de compartir un mundo volcado en emociones, cada una diferente pero abordadas con la misma intensidad.
Ese amor por la pintura ha sido el medio para hacer sentir con libertad total una expresión, donde recrea un lenguaje personal y una búsqueda que va descifrando estados espirituales del ser humano. La magia que existe dentro del subconsciente, reflejo o revelación de un "YO" más profundo.
He sido observadora de este largo recorrido, de la diversidad con la que se ha manifestado desde la pintura tradicional, pasando por el expresionismo, por el surrealismo, hasta lograr un estilo propio, donde la constante ha sido la sensibilidad y una rigurosa disciplina que fundamenta su propuesta estética.
Oscar Solís, incansable y silencioso, forja día a día un merecido lugar dentro de la "Pintura Contemporánea".

Cecilia Abusaid

Su preparación en Pintura incluye diversos cursos y talleres de pintura, técnicas y materiales.
Premiado en 1989 por el FIRST CITY TEXAS BANK como el mejor en la categoría de acrílico.
Premiado en 2013 por Editora Regio, como el artista más destacado en el area de Artes Plásticas durante el año 2012. (Trofeo Regio 2013/ Doceava Edición).

El trabajo de Oscar ha sido adquirido para varias colecciones públicas y privadas en México y Estados Unidos:
* DEUTSCHE BANK (Houston, Tx. USA)
* GRUPO CHRISTUS MUGUERZA (Monterrey, México)
* GRUPO VITRO (Monterrey, México)
* PRICE WATERHOUSE E COOPERS (Monterrey, México)
* WORLD SOFTWARE SERVICES (Monterrey, México)
* MUSEO ICONOGRÁFICO DEL QUIJOTE (Guanajuato, México)
Su obra se ha exhibido en importantes exposiciones colectivas e individuales :

* MUSEO ICONOGRÁFICO DEL QUIJOTE (Guanajuato, Gto., México)
* MUSEO DE LA CIUDAD DE LEÓN (León, Gto., México)
* MUSEO C.A.V.I.E. (Saltillo, Coah., México)
* MUSEO EL CENTENARIO (San Pedro Garza García, N.L., México)
* MUSEO METROPOLITANO (Monterrey, N.L., México)


Facebook Page


more works here





↧

Ignacio Guerrero

February 28, 2014, 1:16 pm
$
0
0






















Ignacio Guerrero




Nace en Guadalajara, México en 1963. Estudió Diseño Gráfico y es pintor autodidacta. Su interés por el dibujo y la pintura lo llevó a cambiar las agencias de publicidad por el caballete y el lienzo. El surrealismo es la piedra de toque de su obra en la que el color toma una particular importancia



IGNACIO GUERRERO es libre cuando pinta y nos libera al mismo tiempo de cualquier prejuicio para soñar, dormido o despierto. Las mujeres estiran sus brazos y sus piernas hasta ocupar un sitio digno y cómodo en el lienzo donde habrán de habitar. Los pájaros, sean colibríes, palomas o garzas, acompañan cada viaje visual hacia los aires más lejanos. Cada figura es una alegoría, una emoción franca traducida en animales y personajes gracias al dominio de la técnica y el pincel. Todo cuanto se observa es un juego, un maravilloso juego de tonalidades y texturas. Los caballos galopan con energía, las puertas no encuentran la llave, las ramas de los árboles anhelan flotar. No cabe duda que las musas más simpáticas y provocativas desfilan con entusiasmo por cada pintura y dirigen la orquesta pictórica con las manos voladoras de la infinita creatividad.

- Laura Zohn



Facebook Page













↧
↧

Ricardo Martínez de Hoyo (1918-2009)

February 28, 2014, 3:22 pm
$
0
0














Ricardo Martínez de Hoyos - El pintor del silencio (The painter of Silence)



Ricardo Martínez de Hoyos (b. October 28, 1918 - d. January 11, 2009) was a Mexican painter noted for his figurative work on unreal atmospheres. He was one of several children from a very large family to make a mark in his field, along with Oliverio in sculpture and Jorge in acting. His work was exhibited in various parts of the world, featured in collective tours of Mexican art. Individually, he exhibited mostly in Mexico including important venues such as the Museo de Arte Moderno and the Palacio de Bellas Artes, which held a tribute to the artist in 1994. Since his death, a cultural center named after him has been established in the historic center of Mexico City.



Martínez was born on Calle de Madrid, near Paseo de la Reforma in Mexico City. He was the thirteenth of sixteen children born to Nester Martínez Perales from Nuevo León and Elena de Hoyos de la Garz from Coahuila. Several of his brothers became notable: Oliverio for sculpture, Enrico and Homero in architecture and Jorge became a known actor.

In 1925, he began his education at the Alberto Correa primary school, but three years later, the family went to live in San Antonio, Texas, where his mother had relatives.(foundacion) The family remained for four years, returning to Mexico in 1932 because of the Great Depression . This experience made Martínez learn English fluently and a fan of works by authors Jane Austen, Charles Dickens, Herman Melville, William Faulkner, John Dos Passos and Walt Whitman . He returned to school in Mexico, attending Orientación middle school in 1935 then graduating to the Escuela Nacional Preparatoria in 1938. In 1939 he founded a group called the Amigos de la Conservación de los Frescos de José Clemente Orozco in high school to protect the school’s murals from vandalism. To please his parents, Martínez then went to study law at the Universidad Nacional Autónoma de México but dropped out months later to pursue painting. He then registered to enter the Academy of San Carlos, but lasted only a day as he did not like its norms and values.

Martínez began to draw early in his childhood. From 1934 to 1935, he older brother Oliverio was hired as a sculptor to work on the Monumento a la Revolución. Ricardo accompanied him, keeping busy creating drawings, which Oliverio would then show proudly to his colleagues. Oliverio taught the basics of painting to Ricardo who produced his first in 1939. Shortly after this Oliverio died of an illness. Except for a course at the Galería de Arte Mexicano, Martínez is a self taught painter, using art books with the works of European and Mexican masters as a guide, including a 1934 book in English called “The materials of the artist Max Doerner” .

Martínez had a reputation for being introverted and modest, even reclusive, which he denied. However, despite this, Martínez had many friends and connections not only in the art world but in the political one as well. While visiting his brother on the Monumento project, he met sculptor Francisco Zúñiga and later he met Juan Soriano through gallery owner Inés Amor, who stated that Soriano did all the talking in that friendship. His main political connections were through two fellow students from law school Luis Echeverría Alvarez and José López Portillo, both of whom went on to become president of Mexico. Both were also supportive of Martínez’s decision to move into painting. Echeverría gave him money from that destined to buy a suit, so that Martínez could buy his first oils. When Martínez needed a base to grind pigments, López Portillo took apart a French bureau from his family’s home to donate the marble top. Martín conserved that top for the rest of his life. However, despite this strong friendship with the two, Martínez never visited Los Pinos, the Mexican presidential residence.

After he began his art career, he established his first studio in his family’s home in 1940. In 1943, he moved to a new studio in Colonia Anzures, becoming the neighbor and friend of Federico Cantú. He built his final studio on Calle de Etna, living and working there for the rest of his life.

In 1969 he traveled to Europe visiting England, the Netherlands, Belgium, France, Italy and Spain, visiting museums. Another of his influences, pre Hispanic sculpture, was represented in his home with a collection of 300 artifacts.

Martínez met his wife Zarina Lacy at the Facultad de Filosofía y Letras of the Universidad Nacional Autónoma de Mexico and they married in 1949. The couple had two children Pablo, now the head of the Ricado Martínez Foundation and Zarina, who lives in Paris.

Martínez died of cardiac and respiratory arrest, while hospitalized with pneumonia at the age of eighty.


Martínez began his art career in 1940 and worked until his death, leaving a number of unfinished works. His work was exhibited in various locations in Mexico as well as abroad. Most of his individual exhibitions were in Mexico City, with others in the United States and Brazil. He had his first exhibition in Guadalajara in 1944, organized by María Asúnsolo, a known supporter of the arts. In break into the Mexico City market, Martínez compiled a series of oils, tempera and drawings for the Galería de Arte Mexicano directed by Inés Amor. He then showed with this gallery frequently in his early career (1944, 1945, 1947, 1950, 1951, 1952, 1954, 1955, 1958, 1964), the Colorado Springs Fine Arts Center (1948-1949) along with the Galería de Arte Mexicano in Mexico City (1956), The Contemporaries in New York (1959, 1960, 1961, 1964), the Phoenix Art Museum (1966), the Sindin Gallery in New York (1976) and Club de Banqueros de México in Mexico City (2000), as well as prestigious showings at the Museo de Arte Moderno in 1969 and 1974 and the Palacio de Bellas Artes in 1984 and 1994. The 1994 show was an anthology of is work as well as a national event to honor the artist. His work featured prominently in collective exhibitions of Mexican art in countries such as the United States, Guatemala, Sweden, Peru, Great Britain, Argentina, Japan, Italy, the Netherlands, France, Denmark, Poland and El Salvador. One major collective exhibition was “Masterpieces of Mexican Art” which toured the United States and Europe from 1961 to 1963.

His works can be found in public and private collections around the world. In Mexico, his works are part of the collections of the Museo de Arte Moderno, the Bancomer Foundation, the Galería de Arte Moderno and the Universidad Nacional Autónoma de México. One collection abroad with a work is that of the Vatican, given as a gift to Pope Paul IV by then Mexican president Echeverría.

In addition to painting, Martínez illustrated books, mostly by writer friends. These include Muerte sin fin by José Gorostiza, Junta de sombras by Alfonso Reyes, Poemas mexicanos by Francisco Giner de los Ríos, Epigrama Americanos by Enrique Díez Canedo, Juego de pobres by José Bonifaz Nuño and Pedro Paramo by Juan Rulfo . His work has been published in thirty four books both before and after his death. He created the sets for the dance piece Xochipili Macuilxoxohitl by Carlos Chavez in 1948, when he began teaching classes in painting at the Fine Arts Center in Colorado Spring. He then taught in San Diego and then back in Mexico City, counting artists such as Lucinda Urrusti, Susan Sollins, and Gerardo López Bonilla among his students.

Martínez’s first recognition for his work was the Raúl Beillers Prize in 1967, followed by the Moinho Santista Prize at the Sao Paulo Biennial in 1971. He was named a member of the Salón de la Plástica Mexicana In 1993, the Fondo Nacional para la Cultura y las Artes named him an Artist Emeritus and his had a major retrospective and homage at the Palacio de Bellas Artes in 1994. In 2008, the Mexican capital awarded him the Medalla de la Ciudad de México and named him a distinguished citizen. After his death, there was a retrospective of his work at the Museo de la Ciudad de México in 2012, the same year that the Ricardo Martínez Cultural Center was established in the former Variedades cinema on Avenida Juárez in the historic center of Mexico City.

Artistry

Martínez was a figurative painter, who incorporation the various artistic tendencies that existed during his lifetime, but was not a follower of any.

Because Martínez was self-demanding and not anxious to begin showing his work, he took time to develop his techniques in color and composition, giving his early works maturity. These works were still lifes, landscapes, and depictions of indigenous people and children, often with nationalistic elements. This shows the influence of Mexican muralism, mostly through his associations with Juan Soriano, Jesús Guerrero Galván and later Federico Cantú.

However, Martínez never copied the style of the muralists and early began experimenting with different techniques such as tempera, gouache and watercolors, as well as stylistic elements from Surrealism and non-narrative figurative works. This moved him into the category of the Generación de la Ruptura although he never openly opposed the work of the Mexican muralism movement.

His work from the 1940s into the 1950s, shows influence from surrealism. By the end of the 1960s, his worked was characterized by the inclusion of unreal atmospheres which consisted of interplay of light and color concentrations. His figures show influence from pre Hispanic art, especially figures, simplifying them and giving them a sculpted quality. These figures were often oversized and or sensual nudes.

His years of pictoral research of the European masters gave him significant technical mastery, and a knowledge of space in which large monochrome or bichrome zones gave his form a monumental feel, with volumes interacting with light and shade in an abstract manner. In some works, light seems to originate from the background and in others light is employed to illuminate faces and accent sublime emotions.












Ricardo Martínez de Hoyo

1918
• Nace en la Ciudad de México el 28 de octubre.
• Sus padres fueron Néstor Martínez Perales, originario de Mier y Noriega, N.L. y Elena de Hoyos de la Garza, originaria de Morelos, Coahuila.
• Fue el número trece de dieciséis hermanos. Entre ellos hubo otros artistas: Oliverio, escultor, quien contribuyó a la formación del artista adolescente, impulsándolo a dibujar; Enrico y Homero fueron arquitectos, y Jorge, distinguido actor.

1925
• Ingresa a la escuela primaria Alberto Correa.

1928
• Viaja con parte de la familia a los Estados Unidos, donde permanecerá durante varios años. Su madre provenía de una de las familias fundadoras de San Antonio y tenía parientes ahí. Durante aquellos años Ricardo y sus hermanos aprenderán a hablar el inglés fluidamente.

1932
• Regresa a la Ciudad de México, donde concluye la escuela primaria.

1934-1935
• Visita a su hermano Oliverio en la construcción del Monumento a la Revolución. Ahí conoce al escultor Francisco Zúñiga, con quien establece una estrecha amistad.

1935
• Ingresa a la escuela secundaria Orientación.

1938
• Ingresa a la Escuela Nacional Preparatoria.

1939
• Funda el grupo denominado Amigos de la Conservación de los Frescos de José Clemente Orozco en la Escuela Nacional Preparatoria y lanza un manifiesto exhortando a los alumnos y a las autoridades a proteger los murales del vandalismo de los mismos estudiantes (en dicha escuela se dio inicio al movimiento muralista mexicano).
• Ejecuta su primer cuadro al temple.
• Conoce y hace amistad con el poeta Rubén Bonifaz Nuño.

1940
• Inicia estudios de derecho en la Universidad Nacional Autónoma de México. A los pocos meses decide dedicarse de tiempo completo a la pintura. Asiste a la Academia de San Carlos pero, al no estar convencido del sistema, decide trabajar en forma autodidacta, apoyándose en obras como The Materials of the Artist de Max Doerner, quien le reveló los secretos de los viejos maestros.
• Instala su primer estudio en un rincón de la sala en la casa familiar en la colonia Roma. Sus primeras obras fueron bodegones, paisajes, personajes populares y retratos, dentro de la corriente nacionalista dominante, con incursiones en el campo del surrealismo.

1942
• Conoce a Zarina Lacy en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México.
• En esos años conoce a personas que serán sus amigos a lo largo de su vida: Alí Chumacero, Joaquín Díez-Canedo, Jorge González Durán, José Luis Martínez, Juan Rulfo, Fernando Benítez, Luis Cardoza y Aragón, Octavio Paz y Juan José Arreola; y los pintores Juan Soriano, Carlos Mérida, Federico Cantú, Luis García Guerrero, Fernando Ramos Prida, Vicente Rojo, José Luis Cuevas y Guillermo Meza.

1943
• Instala su estudio en la colonia Anzures, donde fue vecino del pintor Federico Cantú, quien lo introduce en las técnicas del grabado y lo lleva a la Galería de Arte Mexicano, en la Ciudad de México, manejada entonces por Inés Amor.



more here

↧

Edgar Martinez

February 28, 2014, 4:05 pm
$
0
0


















Edgar Martinez


"Edgar Martinez, born in Toluca, Mexico, came to Vallarta at the age of 6. Although Edgar feels deeply inspired and influenced by the great masters, he has worked diligently to create his own style. He considers himself a surrealist with a basis in the classics. While there is a richness to his paintings that makes one ask if he was trained in Europe, Edgar draws from his Mexican culture to create the subjects in his paintings, often depicting bulls, bull fighters or village scenes. He works in a medium of marble powder mixed with oil, painstakingly layered to create textures, allowing him to express himself more as an expressionist rather than a realist. These textured layers give his paintings life by allowing light, a crucial element in his work, to dance across the canvas. Edgar’s discipline and confidence in his own works never fails to surprise us and leave us wanting to see more. Seashells – the primary element of this show – functions as an exclamation of surprise, used to express an emotion that traps the senses. The human mind is unique, and process of creating and materializing an idea is an extraordinary event that, in essence, makes Edgar’s work have a cultural, esthetic and historic value. He has created a firm step to conscience in the elaboration of the work, and it is important that the work speaks for itself. There is success when the senses of an individual are moved, and Edgar works to move these senses by taking the spectator with him on an imaginary trip. “I have been working for several years in oil, using a technique like no other. Even though I may appreciate others, oil is the only medium that truly fascinates me. In relation to the art: creating, imagining, sharing one’s own vision, is without a doubt a great satisfaction.” The gestures and attire of Edgar’s characters tend toward classic renaissance, and the chiaroscuro is elemental and defines his style creating an expression that is both creative and magical achieving a difference between that ordinary and the unimaginable."

quote




Young and very talented are two words to describe Edgar. No one re-invents himself each year more than he. When one compares the works from year to year, they cannot believe they were painted by the same artist.

His latest creations of marble powder mixed with oil, painstakingly layered to create textures that leave the viewer wanting to see more. He plans to continue working in this style, as he is very proud of the finished works.

There is a richness to his paintings that makes one ask if he was trained in Europe. Edgar also draws from his Mexican culture to create the subjects in his paintings, often using Oaxacan women, in honor of his mother.


quote








↧

Humberto Calzada

March 1, 2014, 2:16 pm
$
0
0













Humberto Calzada



Humberto Calzada was born in Cuba in 1944 and has lived in the United States since 1960. In 1966 he received a degree in Industrial Engineering, followed by an MBA in Finance (1968) from the University of Miami. He began painting in 1972 and since 1976 has dedicated his time exclusively to painting.

His work has been said to carry on the classical Latin American artistic tradition: dreamlike realism, tension created by the contrast between calm and conflict, and the use of timeless symbols as a universal language.

Throughout his career, he has applied these themes through architectural imagery. He depicts harmony through the use of natural elements, and he depicts conflict through the opposition of the ephemeral movement of light and water against the static force of stone and glass.















↧
Viewing all 1856 articles
Browse latest View live
Search